El era un simple arador, borracho, pero que un día le llega la fe y el amor, a la vez estalla la guerra y no tiene otra obligación que ir, rápidamente se dan cuenta de que tiene una puntería magnífica y le nombran cabo, al principio se niega a luchar debido a sus creencias religiosas, pero cambia de opinión al ver a sus compañeros morir poco a poco.

Al principio el propio Alvin York se negaba a que hicieran un película sobre su vida, pero aquí la tenemos protagonizada por un gran Gary Cooper y dirigida por Howard Hawks, supongo que como se rodó estando viva esta figura pues se retrataría a la perfección, y desde mi punto de vista fue así, es patriota en factores externos, decir que si el luchó no fue por su país (eso al menos dice en el film) sino por sus compañeros…

No es nada aburrida, el guión es bastante bueno, y el reparto bastante conocido, siempre nos quedará Gary Cooper de campesino arando con la mula, realmente recomendable.

La acción tiene lugar en Sevilla en torno a 1940, con un prólogo de 10 años antes. Narra la historia de Juan “Juanillo” Gallardo (Tyrone Power), hijo de un torero fallecido, de familia humilde, sin estudios y analfabeto, aficionado al toreo desde corta edad, que se traslada a Madrid para progresar en el oficio. Es valiente, ambicioso y débil con las mujeres. Su novia de siempre, y luego esposa, es Carmen Espinosa (Linda Darnell), generosa, sacrificada y fuerte. Juan se siente atraído por Sol Mihura (Rita Hayworth), viuda, acaudalada, caprichosa y voluble. Su mejor amigo es Nacional (John Carradine), para quien la amistad está por encima de todo. Su rival es Manolo de Palma (Anthony Quinn).

La película se apoya en una estética pictórica, inspirada en grandes pintores, estudiada para captar sus cromatismos, composiciones y formas. La capilla se inspira en “El Cristo” de El Greco, el joven Juanillo en “El joven mendigo” de Murillo, Carmen vestida de negro en el retrato “La reina María Luisa con mantilla” de Goya, Garabato arruinado en las figuras negras de Goya, los salones del palacio de doña Sol en los cuadros de Corte de Valázquez, el plano del vestidor del torero en el cromatismo de Veronese, el cuadro de Juanillo y su hermana en el mercado en el luminismo de Sorolla, etc. El centro de gravedad del drama original se basa en el triángulo amoroso de Juan, Carmen y Sol, que en el film por razones de censura queda algo desdibujado, por lo que el realizador introduce el episodio en el que Sol trata al torero como si de un toro se tratara. La obra homenajea a Rodolfo Valentino, al que Tyron Power imita. Budd Boeticher, de 21 años, fue el asesor taurino. La ostentación del torso desnudo de T. Power es un antecedente del no más osado de William Holden en “Picnic” (1955).

La música, de Alfred Newman, recrea temas populares como la saeta acompañada de tambores, el cuadro flamenco de guitarras y melodías de aire español. Hace uso intensivo de la guitarra, a cargo de Vicente Gómez. La fotografía ofrece una narración fantasiosa y estilizada, de cuidada elaboración y de brillante estética. Se beneficia de un vesturario espléndido de Sol y Carmen. El guión impone un admirable tono trágico y perverso. La interpretación es notable, pese a la falta de vigor español de los personajes. Muy meritoria es la intervención de Fortunio Bonanova, español afincado en Hollywood.

La idea de la película fue del productor, que quiso aprovechar el tirón de la creciente comparación popular entre T. Power y R. Valentino.

Los diálogos están dotados de una gran comicidad y en muchas ocasiones la ironía aflora llevando la crítica y la comedia a niveles de tremenda exquisitez.

La película narra las vivencias y problemas de una familia de mineros galeses durante el Siglo XIX.

En un pueblo minero de Gales viven los Norman, una familia orgullosa de ser todos mineros y de respetar las tradiciones y la unidad familiar. Pero la bajada de los salarios por su trabajo en la mina enfrentará al padre Norman con sus hijos, que ven en la unión sindical de todos los trabajadores la única manera de hacer frente a los patrones. El cabeza de familia, en cambio, no quiere oír hablar de socialismo ni sindicatos. La ganadora del Oscar a la mejor película del año 1941, venciendo a la mítica “Ciudadano Kane” (Citizen Kane), fue este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de su miembro más joven. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewell

Aunque pueda parecer un argumento propio de Edward D. Wood Jr., Porque te vi llorar es uno de los grandes éxitos del cine español de posguerra y una de las cimas de ese modelo de películas con las que la productora Cifesa, la preferida del régimen, pretendía exaltar hasta límites enfermizos los supuestos valores de su “cruzada contra el judeobolchevismo ateo” que tanto daño había hecho a España. Pura política ficción para regodeo de los vencedores, espanto de los vencidos, que como no puede ser de otra forma aparecen como malos, malísimos. Deleite de ese público neutral que lo mismo se apunta a un melodrama posbélico dulzón que a un romance entre un apuesto español y una diligente filipina. Huelga decir que la película obtuvo un éxito memorable, que su director, el no por franquista menos eficaz Juan de Orduña, alcanzó una gloria profesional más que duradera y que de ahí en más no fueron pocos los niños y adolescentes del franquismo (más aún si pertenecían al sexo femenino) que cambiaron en su imaginario de pesadillas al legendario hombre del saco por el mucho más miliciano tricolor. Toda una pieza de museo.

Obtenido de “http://es.wikipedia.org/wiki/Porque_te_vi_llorar”

Acabada la guerra, el héroe acusa la falta de acción de la vida civil y se abandona a la bebida. Sabiendo que la inactividad estaba destrozando a su marido, Elizabeth usa sus influencias y consigue que le entreguen un mando a Custer saltando cincuenta personas en el escalafón. El Séptimo de Caballería, un regimiento desastroso que vigilaba la frontera india, es transformado por Custer en el orgullo de los ejércitos de la Unión. Sus dotes de mando y su valor no pasan inadvertidos entre sus enemigos, los temibles siux de Caballo Loco que le dan el sobrenombre de “Cabello Largo”. Tras una brillante campaña se firma un tratado de paz entre los Estados Unidos y los siux, que se retiran de las tierras que ocupaban exceptuando sus montañas sagradas.

Sin embargo, algunos malvados no satisfechos con el tratado intrigan para alejar a Custer de su regimiento, provocándole fácilmente. Custer debe viajar a Washington a responder ante un consejo de guerra, y mientras tanto se da la falsa noticia de que hay oro en las colinas negras, por lo que miles de aventureros penetran en territorio indio buscándolo.

Custer advierte a su gobierno de lo que iba a suceder en territorio indio, pero entre políticos, abogados y periodistas le silencian. Consigue que el presidente Ulysses S. Grant, militar como él, le deje reintegrarse al frente de su regimiento. Sabiendo que Bismarck va a ser arrasado por los indios y la infantería aniquilada si él no lo impide se despide de su mujer y decide sacrificarse para evitar la catástrofe. Sale como avanzada del general Terry con todo su regimiento en una expedición para capturar a los siux que se han aliado con los cheyenes y otros pueblos. Se adentra en territorio enemigo y llega a Little Big Horn, donde los seiscientos hombres del Séptimo de Caballería son rodeados por seis mil indios, y tras una encarnizada lucha su regimiento es aniquilado completamente

La acción tiene lugar en NYC a lo largo de varios días del otoño de 1940. El abogado neoyorquino David Smith (Robert Montgomery) y su esposa Ann (Carole Lombard) llevan 3 años de feliz matrimonio cuando un funcionario les informa que su enlace no tiene validez jurídica a causa de una deficiencia administrativa no subsanable.

El film es una comedia romántica, de enredo y de humor. Es una de las dos únicas comedias que Hitchcock rueda en su etapa americana (“Pero… ¿quién mató a Harry?” es la otra). Es, además, la primera cinta que realiza para la RKO. Considerado por muchos como una obra menor, es no obstante una comedia bien estructurada, intensa, de ritmo rápido, de contenido valiente y atrevido en su tiempo, rica en comicidad, de buenas interpretaciones y portadora de la huella inconfundible del maestro. Incorpora un subtexto que trasmite ideas muy propias del realizador: las relaciones de pareja son esencialmente inestables, con frecuencia se dan asociadas a turbulencias y siempre están sometidas a cambios, muchas veces imperceptibles o poco perceptibles, pero importantes, como sugieren los cambios que ha sufrido el restaurante de la época de noviazgo de los protagonistas. La comicidad se basa en episodios de batalla de sexos, malentendidos, celos exagerados, errores y engaños desvelados, que se combinan formando una textura densa, consistente y firme. La obra contiene otras constantes del realizador, como la fascinación y adoración que siente por Carole Lombard, encarnación de la heroína hitchcockiana: rubia, desenvuelta, guapa, inteligente y frágil. No falta la figura de la madre opresora e intrusiva. El cameo del director lo dirige, en esta ocasión, Carole Lombard. Se hace uso de imágenes que explican extremos argumentales: comida que no apetece a los gatos, confianza del que se deja afeitar a navaja, efervescencia sexual de la noche anterior a la escena inicial. Se añaden imágenes vertiginosas y de lluvia, desayunos abundantes, bebidas y comidas, tan gratas al director. Éste muestra su escepticismo y desencanto en escenas que dejan una estela de amargura: la de la sala de fiestas y la de la noria atascada con chaparrón final.

La música, de Roy Webb (“Retorno al pasado”, Turneur, 1947), aporta una partitura funcional de apoyo, con melodías alegres, divertidas y, en ocasiones, burlonas e irónicas. La fotografía, de Harry Stradling Sr. (“Johnny Guitar”, Ray, 1954), desarrolla una narración visual muy atractiva, dinámica y diligente. Acaricia con fervor el rostro de Carole Lombard, que ofrece una interpretación magnífica. El realizador exhibe un gran dominio de la dirección de actores y del movimiento escénico.
Miquel

Deliciosa comedia “sofisticada” del genio Ernst Lubitsch. Una rica esposa de Park Avenue se aburre con su marido, descubriendo que nada hay menos rutinario que un engreído y peculiar pianista que siempre dice la verdad. Divertidísima disertación sobre el matrimonio embriagada por el “toque Lubitsch” y su espléndido juego de puertas para un film perfecto, que demuestra que el director estaba en su mejor momento; venía de realizar “Ninotchka” y “The Shop Around the Corner” y su siguiente película sería la insuperable “To Be or Not To Be”. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

La acción transcurre a finales del siglo XIX en una pequeña ciudad del sur de los Estados Unidos. Regina (Bette Davis), la esposa del banquero local, Horace Giddens (Herbert Marshall), junto a sus dos hermanos, Ben (Charles Dingle) y Oscar (Carl Benton Reid), individuos de pocos escrúpulos, deciden llevar a la práctica el sueño de toda su vida: levantar una gran fábrica de algodón llevada por mano de obra barata y con la que se harán aún más ricos. Ben y Oscar conspiran con su hermana Regina, para que consiga que su marido invierta en el negocio, ya que él es el auténtico dueño de su fortuna. Regina envía a su hija, Alexandra (Teresa Wright) a buscar a Horace, que esta en Baltimore recuperándose de un ataque al corazón.

Horace rehúsa la oferta amparándose en su frágil estado de salud y Regina insiste y le excita, pero Horace se mantiene en sus trece. En realidad a Horace le preocupa el estado de su hija y procura apartarla del ambiente de esa familia. Ante esto y desesperados, Ben y Oscar persuaden a Leo (Dan Duryea), el sobrino de Horace, para que le robe a su tío, ya que trabaja en el banco de éste, y conocía el contenido de su caja de seguridad personal. Sospechando el robo, Regina intenta chantajear a sus hermanos para que le den su parte del negocio. Pero Horace se adelanta y desbarata el plan. Cuando vuelve a casa, Horace le comunica que ha cambiado el testamento y que ella no se llevará nada más que deudas. Horace sufre una crisis cardíaca y Regina le niega la medicina, provocándole así la muerte. Sin embargo, antes de morir usa sus últimas fuerzas en pedir a su hija que se aleje de su madre y que se case con David, un periodista al que Regina rechaza. Mientras Ben comenta con su hermana las circunstancias de la muerte de Horace, Alexandra les escucha, y descubre la maldad de su madre y finalmente encuentra las fuerzas para abandonar esa casa, y marcharse con David. Regina, abatida, la ve alejarse desde la ventana.

El film estuvo nominado a tres Oscars importantes, mejor película, mejor actriz para Bette Davis y mejor actriz secundaria para Teresa Wright